miércoles, 30 de septiembre de 2015

Dos churros de película: el último desafío y una espía despistada

Hace una semana volví a las andadas con mi esposa, ya que retomamos nuestra bonita costumbre de ir al cine. Y es que fue mediante esta acción que mi mujer y yo pasamos nuestro noviazgo, chutandonos cuanta película teníamos enfrente, fuese romántica, acción, comedia, etc. etc.

En su momento pensé en reseñar dicho filme (Hotel Transilvania 2), pero lo deje de lado ya que por mi cuenta me puse a ver un par de películas que la crítica trato "relativamente" bien, y que por problemas económicos, no pude ir a verlas con mi mujer en su momento. Ahora doy gracias por ello, ya que a mi me parecer, fueron un par de churros en todo el sentido de la palabra. Por lo tanto, la siguiente entrada sera relativamente corta, pese a que voy a hablar de esas dos dichosas películas. Seh, no van a ser lindezas, ya que como reitero, son malas, no tanto, pero sí a mi parecer, no hubiesen valido la entrada al cine.


-El último desafío (The Last Stand).

Argumento: Ray Owens (Arnold Schwarzenegger) es un apacible pero estricto alguacil en un pueblo fronterizo de Arizona. Vive su existencia tranquilamente junto con sus ayudantes, cuando la aparición de un fugado narcotraficante que pretende escapar por su jurisdicción, rompe la tranquilidad del poblado. Owens decide plantarle cara con sus escasos recursos tanto humanos como físicos.

Opinión personal: el regreso del Schwarz era evidente desde hace años, cuando cumplió su sueño de ser gobernador y sus aspiraciones a la Casa Blanca se vieron frustradas por su irregular gestión y por los escándalos relacionados con su vida amorosa. Ya lo habíamos visto en The Expendables de su amigo Stallone, pero era lógico que retomara su papel como héroe de acción, pero haciendo sutiles diferencias con Silvester.

La primera es que ha enfocado (con buena fortuna) en hacer que sus personajes sean ya héroes retirados o en sus últimos días ("Viejo, no oxidado"), dándole valor a sus pobres canas. Lamentablemente, "The Last Stand", no logra ser un buen ejemplo de esto, tanto a nivel argumental como actoral.

Sí, suena novedoso y se muestra de buena manera en los primeros 20 minutos, cuando un poderoso narcotraficante mexicano planifica su huida de una prisión federal y pretende utilizar un pueblo fronterizo como vía de escape (y por supuesto, construir un puente para cruzar el barranco que separa a EUA de México), así el retrato de Somerton, como el típico pueblito sureño gringo. Lamentablemente, el desarrollo posterior es digno de una película de churro de los años ochentas. No me malinterpreten, adoro las pelis de acción de esos años, pero porque son de aquellos tiempos. Intentar emular dichas producciones en nuestro tiempo, quedan forzadas y poco estables, más cuando lo mezclas con la modernidad de estos tiempos.

Todo empieza cuando se da la fuga, donde varios equipos SWAT se ven torpes para manejar la fuga de dicho capo y luego como se escapa en un coche tuneado. Claro, fue emocionante ver como sus "tropas" van rompiendo las líneas de choque de la policía y el FBI. Sin embargo, la contraparte, donde el Schwarz decide ponerle un alto luego de la muerte de uno de sus ayudantes (que se veía venir de lejos cuando este le pide que le ayude a salir del pueblito), carece de ese aire épico, ya que es lógico, la salud física del protagonista se ve muy disminuida. Para colmo, los secundarios "buenos", como Jaimie Alexander o Rodrigo Santoro, carecen de ese carisma o "punch" para mantener el ritmo del filme. Tal vez el único que destaca es el interpretado por Johnny Knoxville, que hace a un cómico y perturbado fan de las armas, que termina dotando a sus compañeros de todo el arsenal con el cual podrán hacer frente a los hombres de Gabriel Cortez.

El detalle es que el villano principal tampoco tiene carisma. Burrell (Stormare) su secuaz que ayuda a construir el puente se revela como el gran oponente y el duelo que se mantiene con él, así como con sus esbirros, es lo mejorcito del filme. Pero cuando este, lógico, muere por un balazo de Owens, la aparición de Cortez es sosa y con poca presencia, pese a tener un duelo interesante en el famoso puente artificial. Para colmo, Forrest Whitaker esta muy desperdiciado como el jefe del FBI patoso y necio, que no acepta la ayuda de Owens. Claro, fue interesante ver el doble papel de la agente Richards (Genesis Rodríguez), pero como la película en su último tercio, está tan gastada, que ya esa vuelta de tuerca resulta innecesaria.

Gracias a Dios, no se puso a decir: "Volveré"

Así como la ven, la película es malita y con ganas. Sí, las escenas de acción están bien, pero el contexto es muy pobre, pero en grado superlativo, al grado que le pida "poder" a los balazos y la sangre derramada. No entiendo como los críticos la rankearon de buena manera, ya que a mi parecer, sí se queda corta en muchos aspectos. Tal vez soy muy exigente, pero luego de ver la saga de The Expendables, siento que está se tomo demasiado en serio y por eso, cae en un montón de cliches y estereotipos que aburren. Y es una lástima, ya que el Schwarz tiene carisma (como se noto en Terminator Genesis), pero acá nunca termina por aterrizar su personaje ni presencia, una verdadera lástima.

¿Recomendable? Solo si te gustan los tiroteos, la acción y la violencia. Fuera de eso, sin pena ni gloria.



-Spy: una espía despistada.

Argumento: Susan Cooper es una avezada agente de la CIA que sirve de apoyo para Bradley Fine (Jude Lawe). Sin embargo, la muerte de este último en una misión, motiva a Cooper a entrar al campo como una espía. Rápidamente, los prejuicios positivos que tenía sobre las misiones se van haciendo negativos, al comprobar que no todo es tan fácil como lo hacía ver su ex compañero, pero a la par irá madurando y haciéndose más fuerte, mientras trata de evitar la venta de una bomba atómica a un grupo radical.

Opinión personal: Melissa McCarthy ha ido yendo de más a menos en cuanto a interpretación y el tipo de filmes o personajes que ha actuado. Y es que la actriz, que la vi tan prometedora (aparte de carismática) en la serie de TV, Mike & Molly, paso a ser un "bufón" más, al estilo de Adam Sandler. Tal vez suene muy duro, pero justamente esta película parece reseñar la carrera de la actriz.

De antemano, nuevamente, no sé porque diablos la crítica hablo tan bien de ella. Sí, tiene momentos que son una brillante parodia de la saga del 007 y que cuestiona de manera abierta y divertida los hoyos argumentales que suelen tener los filmes de James Bond, pero el resto, resulta ser una mezcla horrenda de violencia gráfica gratis, palabras altisonantes al por mayor y una serie de bufonerías que rayan en lo grotesco, pero con mayúscula.

Como dije, la película empieza bien: Fine es un agente de campo atractivo y carismático, pero que se nota su dependencia de Susan de manera importante. Claro, ella no lo sabe, ya que esta enamorada perdidamente de él y trata de complacerlo como puede. Pero la muerte del primero, orilla a Susan a madurar. El problema es que el personaje pierde charming cuando sabemos que es extremadamente lista y aparte físicamente tiene talento (la prueba física es divertidísima a morir, pero le resta punch de crecimiento). Siempre es mejor cuando vemos a un protagonista medio pusilánime que luego saca lo mejor de sí de acuerdo a la situación. Acá, pese a que Susan es medio patosa y tiene una suerte muy mal, siempre saca avante la situación y lo hace con bastante naturalidad. Esto rápidamente provoca que uno le pierda simpatía y que pase a ser un bufón bastante insoportable. Para colmo, los momentos reflexivos o de ligera madurez, son enormes y rompen con la monotonía del chiste barato o de la situación adulta tipo cómica (el famoso "albur").

Para colmo, los personajes secundarios, salvo la amiga de Susan, todos son horrendos. Rose Byrne hace una "mimada" que cae en el hígado. Jason Statham interpreta a un agente amargoso y lleno de clichés. Sí, este podría haber funcionado, porque parodia toooodo lo que se ha visto en las películas de este tipo, pero llega a ser tan pesado que inclusive en la película también reniegan de él. No hablo de los demás, porque el villano final es como el antagonista final de "The Last Stand" (poco carisma y pocas habilidades) y los demás secundarios, incluyendo la guapísima Morena Baccarin, sale demasiado poco y se la terminan cargando. Este es otro defecto, al menos a mi parecer del filme, donde la violencia gráfica es muy explícita y para colmo, cargada con más "porquería" (literalmente, ya que hay vómito incluido). No sé, esto me hizo voltear la cara varias veces, asqueado.

Y sí no fuese suficiente, mientras el doblaje del anterior filme es bueno, acá la cosa es horrenda. Trataron de apegarse demasiado al original y las palabrotas abundaban por todos lados, pero en un momento tan superficial que no sonaba nada natural, como si las hubieran puesto a la fuerza (aunque la elección de voces estuvo bastante bien. Me gusto escuchar a Gaby Cárdenas como Melissa McCarthy).

Sorprendentemente, pese mi asco, el argumento del filme es bastante correcto y nada lineal. Paul Feig (que también dirigió la película, como la famosa "Bridesmaid"), hace una buena historia, que se hace impredecible conforme pasa el filme, aparte de que las escenas de acción, en especial las coreografías me parecieron muy buenas y amenas. El problema, y repito, es el abuso del chiste fácil y absurdo, como de una sucesión de clichés que rayan en lo horrendo. Si hubiese sido algo más serio (como se veía al inicio del filme), la cosa habría funcionado, pero no, se fueron a lo fácil.


En conclusión, "Spy" es una película simplona, con chistes simplones y con unas actuaciones estereotipadas aun más simplonas. Tal vez lo que me da de coraje, es que la gente hablaba bien de ella, pero tal vez porque están acostumbrados a lo barato hoy en día, aparte de que la McCarthy ya optó también por hacer un "chiste" grotesco constantemente y lamentablemente, se le veía con más carisma que morbo. Nuevamente, tampoco le tiro tantos palos, porque es entretenida, pero solo si apagas un rato el cerebro, sino, sí te sacaran de quicio varias cosas que se manejan en dicha película. ¿Recomendable? No haré comentarios al respecto.


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Saludos a mi mujer, que me aguanta cuando ando amargosito, así a quienes disfrutan del cine.

sábado, 26 de septiembre de 2015

Leyenda urbana: la maldición de la Televisión

La otra vez que estaba escuchando el Frikipodcast, caí en cuenta que no había hablado de las leyendas "negras" que rodearon a muchos programas de Televisión. Aunque el cine se lleva las palmas con los sucesos relacionados a filmes, como La Profecía, El bebé de Rosemary o Mongol, la pantalla chica también tiene sus historias bastante oscuras.

Claro, muchos podrán argumentar que lo que sucedió en dichos programas, pudo ser consecuencia de los malos manejos que tuvieron los actores o la producción, durante o posterior a la emisión de dicho programa. Si es así, inclusive podemos hablar de "Two and half men", donde Charlie Sheen hizo un alboroto durante el mismo y lo que provoco la salida de la éxitosa serie. Sin embargo, acá veremos como la vida de muchos que estuvieron involucrados, realmente la pasaron mal o peor, tuvieron un destino bastante trágico.

Por lo tanto, en esta entrada nos enfocaremos en tres series que en su momento tuvieron un gran éxito, pero dejaron una huella bastante negra en su momento o posterior a su emisión.


-Diff'rent Strokes (Blanco y Negro).

"Blanco y Negro" fue una de las series emblemas de los años ochentas, aquí en México. Emitida por Imevisión en su momento, era de aquellos seriales que pasaban en la noche y que era la fascinación de muchos televidentes, en especial un servidor.

La trama era sencilla pero bastante compleja a la vez: un hombre blanco, viudo y con una hija, decide adoptar a dos traviesos chiquillos de color. Las tramas de los episodios se enfocaban en como podía controlar a tales enanos, en especial al más carismático de todos, Arnold (interpretado por Gary Coleman), el cual se hizo famoso por su frase: ¿De qué estas hablando Willis?

El programa duro 8 temporadas, entre 1978 hasta 1986, cosechando un gran éxito en EUA, al grado que la primera dama apareció en un programa, tratando de luchar contra el prejuicio del racismo. Lamentablemente, los protagonistas de dicho serial fueron los que más sufrieron las consecuencias de la fama.

Gary Coleman, Arnold, fue el más sonado en su momento. El actor que antes de entrar al show, sufría una nefritis marca diablo, le llevo a tener dos transplantes de riñon y lo cual a la larga, detuvo su crecimiento, lo cual no le afecto demasiado en la serie y le ayudó a mantener ese carisma de chiquillo inocente pero necio. En su momento, llego a ganar 70,000 dolares por episodio, siendo una lana en aquel entonces. A los 3 años de terminar el show, demando a sus padres, diciendo que se habían quedado con su dinero y gano el juicio, obteniendo un millón de dolares en el asunto. Sin embargo, años después, Coleman se declaro en quiebra y ante la poca posibilidad de conseguir papeles, estuvo trabajando como guardia de seguridad. Esto le acarreo problemas con clientes, al grado de que fue demandado o llevado a juicio por su conducta agresiva. Lamentablemente, estas malas decisiones también se verían en el terreno emocional, donde se rumoraba una vida doméstica violenta con su última esposa, que en su momento, fue señalada como la causante de su muerte, al propinarle un severo golpe durante una riña, lo cual le ocasiono una hemorragia intracraneal y su fallecimiento.

Dana Plato, la simpática media hermana rubia de los Jackson, también sufrió el precio de la fama, ya que junto con su compañero de trabajo, Todd Bridges, llegaban drogados o borrachos al set. Aparte, su embarazo temprano (a los 18 años) la orillo a dejar los sets por las últimas dos temporadas. Su adicción a las drogas y al alcohol, rompieron su matrimonio y la dejaron en la ruina. Al no conseguir papeles donde actuar, termino por posar desnuda en playboy y en actuar en producciones de corte B, de tan bajo presupuesto, que inclusive salía desnuda o en escenas sexuales simuladas. Claro, esto dio a entender que había entrado a la industria porno, cuando nunca fue así. Lamentablemente, Plato jamás logro levantarse y falleció en 1999, víctima de una sobredosis.

Todd Bridges, el hermano de Arnold, Willis, también como su compañera fue un adicto, en especial a la cocaína, lo cual agravo más su endeble economía durante los años ochentas, cuando el show fue cancelado. Fue inclusive acusado de matar a un "dealer" cuando trataba de conseguir cocaína y estuvo a un tris de ir a la cárcel para siempre. Sin embargo, Bridges lucho contra su adicción y para principios de los noventas, se declaro "limpio" de cualquier sustancia. Tuvo un alza en su vida, cuando en 1999, en compañía de su hermano, salvaron a una anciana de morir ahogada. De allí, se dedico a dar charlas motivacionales y hacer ver los peligros de las adicciones a los más jóvenes. Actualmente participaba en reality shows en la Unión Americana.


-Señorita Maestra

Muchos en México conocieron la popular telenovela, "Carrusel" que fue tan grande que tuvo un remake en 1994, llamado "Carrusel de las Américas". Sin embargo, pocos saben que el concepto que manejo Valentín Pinstein, no era original. La saga estaba basada en una telenovela de corte argentino, llamada "Señorita Maestra", que fue muy popular en ese país por los años ochentas.

La serie tuvo repeticiones y remakes hasta el 2005, cuando fue cancelada definitivamente. Sin embargo, una leyenda oscura empaño a los protagonistas de dicho serial.

Cristina Lemercier, la actriz que interpretaba a Jacinta Pichimahuida, la maestra, falleció en 1996 por un supuesto suicidio. La susodicha había tenido un altercado con su ex-esposo y según él, esto provoco que tuviese un "ataque de nervios" y que amenazase con suicidarse, por la falta de trabajo. En el inter, la actriz amenazo con disparse y apreto 3 veces el gatillo. Lamentablemente, a la tercera, el arma se disparo, provocando la muerte de la susodicha pocas horas después.

Graciela Cimer, la joven actriz que interpretaba a la chica rubia del salón, también tuvo un desenlace trágico. A raíz de un funesto apoyo político a los Menem a finales de los ochentas, se quedo sin trabajo y aparte embarazada. Esto provoco que en su momento tratara de suicidarse con una sobredosis, sin éxito. Sin embargo, poco después en 1989, debido a la depresión, se lanzo desde el piso donde vivía, lo cual consumó su muerte. Posteriormente las investigaciones mostraron que la joven era victima constante de la agresividad de su esposo, pero algo que no se pudo probar totalmente.

Marcelo Fabián, el famoso "Cirilo" argentino, fue condenado a prisión por 4 años en el 2011, luego de que estuvo involucrado en un asalto, donde murieron varias personas, entre ellas, su compañero de fechorías, Julio Silva, que llego a actuar también en la serie, como el niño Siracusa, el travieso que daba guerra en el salón. Ambos habían tratado de levantar sus carreras pero con poco éxito, por lo cual, en el 2004, trataron de hacer un duo llamado los "Siracusa", que tampoco tuvo repercusiones. Esto los termino orillando al robo, el cual termino trágicamente con la muerte de uno de ellos.

Y aunque los demás actores no tuvieron problemas así, solo dos de ellos lograron destacar en el teatro y la TV posteriormente, los demás siendo relegados a un segundísimo plano.


-My sister Sam

Esta leyenda urbana es poco conocida por los ochenteros, ya que menciona a una serie que no apareció aquí en México al menos. Sí, hablamos de "mi hermana Sam", un sitcom que trataba de una fotografa llamada Sam y las peripecias que pasaba con su hermana menor llamada Patti (interpretada por Rebecca Schaeffer). Esta actriz demostraría tener un carisma tremendo, al grado que el éxito del show se debía a la presencia de la misma. Lamentablemente, luego de dos temporadas, la serie fue cancelada y 12 episodios se quedaron enlatados. Sin embargo, Schaeffer iba en camino de ser una gran actriz.

A la par, Robert John Bardo, un sujeto enfermo y obsesionado, ya había fijado la atención en ella. Conocido por ser un acosador de estrellas y celebridades como Madonna o Samantha Smith, al ver el sitcom, rápidamente se enfoco en la actriz, al grado de escribirle cartas diarias emulando su belleza. Bardo recibió una contestación que lo hizo obsesionarse aun más (sin embargo, estas contestaciones no venían de la actriz, sino de un equipo que se encargaba de hacer tal labor).

Bardo trato de entrar al set en varias ocasiones, inclusive con un cuchillo, mientras se filmaba "My Sister Sam", pero nunca lo logró. Finalmente, su furia se disparó cuando vio a la actriz en una escena de cama en una película. Esto llevo a que cargarse un arma y fuese a la casa de Schaeffer, cuya dirección la había conseguido gracias a un detective privado.

La primera vez que la actriz le abrió la puerta, lo recibió amablemente y le firmo un autógrafo. Sin embargo, después de que Bardo desayunase, volvió a regresar para hablar con ella. El trato duro de la actriz orilló al obsesionado a sacar una pistola y dispararle. Un vecino alcanzó a escuchar el disparo y llamo a una ambulancia. Sin embargo, fue tarde, ya que Schaeffer había fallecido media hora después. Bardo fue encontrado al día siguiente y se entrego sin resistencia. Fue sentenciado a cadena perpetua.

Tal fue el impacto de la muerte de la actriz, que esto creo un cambio en las leyes de privacidad en California, lo cual disminuyó el acoso de este tipo de personas sobre actores y celebridades.

En otra entrada hablare sobre una segunda parte sobre estas leyendas oscuras. 

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Saludos a la dueña de mis mensualidades :3, así a quienes gustan de este tipo de leyendas.

jueves, 24 de septiembre de 2015

Top Opening: la nostalgia en 10 melodías.

Al fin pude crear una especie de bitácora de opening y endings que he reseñado en el blog. Lo cual me ha permitido ver que me han faltado un montón de rolas por comentar o hablar de ellas, en especial por nostalgia. Digo, tal vez no tenga la memoria músical que tiene mi mujer sobre tantas canciones en general (lo cual me impresiona cuando pasamos por un lugar que están poniendo una canción y solo la veo la veo canturrear en voz baja). Sin embargo, muchas melodías, en especial las niponas, me traen recuerdos de ciertos momentos y situaciones.

Por ejemplo, la rola "Inner Light" de Shocking Lemmon (de la cual he hablado antes y es el segundo opening de Hajime no Ippo) me trae recuerdos de cuando estaba en la facultad, justamente en los últimos años y como corría a través del tianguis local para conseguir los Dvds que iban sacando mi distribuidor pirata, así también de aquel año que pasé en el "campo" y que me ayudaron a madurar. Con esto, no puedo negar que soy un nostalgico de primera, pero también como cada rola parecía estar en el momento adecuado y me ayudó de una manera u otra a salir adelante. No en balde dicen que la música amansa a las bestias y a mí eso se aplica casi en un 100%.

Por ello, es obvio que siga con estos "Tops", donde hablo de tantas canciones que en su momento, fueron parte de mi vida y aun lo siguen siendo, en especial gracias a mi celular o mi mp3 player. Ahora vamos con otro "Top opening" más, pero con canciones que había dejado de repente de un lado.


-A piece of Sun - Masaaki Endoh


Puedo decir que el primer opening que trate de "bajar" mediante una patética conexión de 56kps, fue este. Aun recuerdo como esta rola, interpretada por el gran Masaaki Endoh, la llegue a escuchar cuando B´t X se había convertido en una serie de moda en los finales de los noventas (siendo el segundo opening de la serie). Ya había comentado de las bondades del Real Player y como conseguí tantas rolas en ese formato, en especial esta, que me impacto en todos niveles. Por ello, el buscar el dichoso opening se volvió prioridad en su momento y como me pase una semana entera en una computadora ajena buscando descargar dicho archivo (y que entonces pesaba 10 megas, una barbaridad para aquellos años). El ritmo de Endoh es formidable y lo mejor de todo ¡Se puede conseguir en inglés! Sí, el artista grabo una versión alternativa en dicho idioma que también allí tengo (y ambas son tan fabulosas que aun no me decido a la fecha por una).


-Hekireki - Last Alliance


Cuando anunciaron que Hajime no Ippo iba a tener una segunda temporada, casi 10 años después, literalmente brinque en el asiento y no pude evitar emocionarme. Sin embargo, pese a que veía a Ippo y compañía de regreso en el ring, la "New Challenger" me decepcionó un poco, ya que su música no era tan formidable como la de su predecesora. Sin embargo, en cuanto a su opening, este sí era una pequeña joyita y rescataba algo del espíritu de la vieja musicalización. Claro, no tiene el sentimiento de Inner Light, pero "Hekireki" es una rola formidable en muchos sentidos, intercalando una preciosa guitarra eléctrica, con las vocales del interprete que también varía genialmente entre los diferentes "crescendos" de la rola. Curiosamente, está aun me parece menos "potente" que el ending de la misma saga que es bastante simpático a su manera.


-One day, One Dream - Tackey & Tsubasa


Este opening de Inuyasha, el penúltimo en salir, es de los que más nostalgia me traen. Como ya he comentado, esta serie coincidió con un periodo bastante feliz en mi vida, donde por unos meses, muchas cosas parecieron acomodarse. Una de ellas, fue disfrutar anime como loco y fue el periodo antes de que Cartoon Network se volviera loco. Entonces la fiebre de Inuyasha estaba en lo alto y lo demostraba con su música, en especial con este opening que la versión doblada es fabuloso por donde uno lo escuche. Con el tiempo, se volvió mi rola favorita de la serie y la escuchaba a cada rato. Claro, esto provoco que la terminase quemando y por un rato, ya me provoca arcadas escucharla. Aunque ahora hay versiones fandubs completas de la misma, no llegan a alcanzar los ritmos del doblaje o mucho menos de la original, que tiene un ritmo increíble.



-Towa no Hana - Ishida Yoko


Si me preguntan, esta canción, opening de la primera temporada de Ai Yori no Aoishi no me gustaba en absoluto. Tal vez porque cuando vi por primera vez esta serie, estaba en un momento bastante duro de mi vida. Claro, cuando las cosas mejoraron (un poco antes de conocer a mi esposa), fue cuando volvi a revisitar la serie y me agrado más, ya sin tanta amargura encima. Sin embargo, mi mujer fue el pívote para que le agarrara gusto, ya que se la "compre" y pasamos unos meses sabrosos hablando de la misma (así revisitandola cuando nos casamos). Por ello, ahora este precioso opening me trae recuerdos muy dulces. Fuera de esto, Yoko Ishida hace una rola que tiene un excelente ritmo y que pese a su tono melosón cuasi de balada, posee una buena instrumentación y unos "solos" bastante potentes y sorprendentes, que se realzan con los coros de la misma.


-Truth - Two Mix


En finales de los noventas, "Two Mix" era un duo japo bastante importante, teniendo a Minami Takayama como su vocal. Es lógico que el duo se empleara en series donde trabajaba la seiyuu, como Detective Conan. Justamente, esta rola fue el quinto opening de esta longeva serie. En lo particular, cuando comence a explorar este universo mediante la internet, este fue de las primeras canciones que me encantaron de la misma y que me hicieron fan a morir (no solo por su animación, trama y personajes, sino también a nivel musical). Aunque en openings y endings la serie ha decaído, "Truth" sigue siendo una joya en todos sentidos y que aun tiene ese aire a serie detectivesca o de novela negra, aparte de que la combinación entre instrumentación y la preciosa voz de Takayama-san, la hace formidable.


-Breeze - Megumi Hayashibara


Luego del éxito que disfrute Hayashibara-san con "Give a Reason", es lógico que se tratara de repetir tal cosa, pero esta vez, con el opening de la tercera saga de Slayers, "Try". Sin embargo, tal como sucedió con la serie, esta rola no tuvo el impacto de su predecesora y hoy en día, es vista como una copia pálida de la misma. Sinceramente, opinaba lo mismo, ya que la entonación, algunos cortes y el ritmo se parecen demasiado a Give a Reason. Sin embargo, el tiempo pasa y la melodía va ganando puntos, al menos a nivel personal. Y es que pese a tener el mismo ritmo, la forma de interpretarla de Hayashibara-san es con un tono melancólico, como si se estuviese despidiendo de la serie y teniendo más un aire de balada que de música popera-noventera. Aparte de que sus "solos" de instrumentos en algunas partes llegan a ser muy profundos (ni se diga que me trae recuerdos de finales de los noventas bastante emotivos).


Wild Vision - Hayashi Kouji


"Virtua Fighter" era una serie bastante buena que salió a finales de los noventas. Lamentablemente, el doblaje angelino si la medio destrozo y por eso, siento que la susodicha no tuvo mucho pegue y por consiguiente, no todos los capítulos fueron emitidos aquí en México. Para colmo, el opening que fue doblado, fue objetivo de discordia entre muchos fans en aquel entonces. Sin embargo, el tiempo le ha dado un realce al mismo y hoy en mismo, es objeto de muchos fandubs. Aun así, la versión japonesa tiene lo suyo y personalmente, soy un fan de la misma en todos sentidos. Los finales de los noventas tuvieron un realce en cuanto a rolas que se ha ido perdiendo y Wild Vision fue uno de sus últimos exponentes, ya que combina la tesitura de la voz del interprete con unos "solos" que la rompen en todos sentidos, en especial entre el minuto 2:00 y 3:00. Claro, fue de los primeros mp3 que descargue por el Napster y que le tengo muchísimo cariño.


-Successful Mission - Megumi Hayashibara


Otra rola de la gran seiyuu de los años noventas. Ya en otra entrada había hablado genialidades de Saber Marionette J, pero uno de sus rubros más altos era la música, donde Hayashibara-san hacía un despliegue formidable en su interpretación, apoyándose no solo en una adecuada instrumentación, sino también en que las rolas estaban diseñadas para que ella la pudiera cantar sin problemas (ya que tiene su voz tiende a los tonos agudos). Este opening en particular es de los que más me van emocionando conforme lo escucho, hasta alcanzar unos tonos donde inclusive ando moviendo el cuerpo mientras la escucho jeje. En su momento lo descargue en el formato Real Player y cuando pude, ya tenía el mp3 en mis manos (curioso que la serie se estrenase en latino un año después, en el 2000 por Locomotion) y por ello, la nostalgia con la misma es bastante evidente. 


-Marui Taiyo - Shimamoto Shumi 


El segundo opening de Orphen Revenge, que viene a ser la segunda serie de anime que se emitió con el espadachín hechicero llamado Orphen. Está serie fue harto conocida en Latinoamérica, gracias al canal Magic Kids. Orphen fue de las "últimas" joyas del mismo y no solo por su doblaje de alta calidad, sino por la forma en que los chilenos doblaron las rolas (que siempre hacen un buen trabajo). Por ese trabajo, fue como me comenzó a gustar la música de ambas series, siendo ahora de mis preferidas para ponerlas cuando voy de ida y vuelta al trabajo. Este opening es una especie de megacoral bastante ameno y sobre todo con ese aire tan desenfadado de los años noventas. Podría decirse que los recuerdos que me trae esta rola es más de principios de la década pasada (cuando la vi por Magic) y son bastante ambivalentes, razón por la cual no he podido verme Orphen completo hasta la fecha.


-Toki wo Koete - Yasuko Matsuyuki


Y continuamos con más nostalgia, pero de finales de la década de los noventas. Saint Tail fue la última serie de anime doblada en Los Angeles, antes de la cisma que dividió el doblaje en aquellos lados, de allí que la serie, como la disfrutamos en aquellos años, tuviese unos cambios de voz bastante extraños y raros. Aun así, tenía tanta calidad que muchos la disfrutamos por igual. Nuevamente, el opening fue doblado de manera extraña, aunque igual, hoy en día es del gusto de muchos fans. Personalmente, prefiero la versión doblada, pero la japonesa tiene ese aire noventero tan clásico y tan shoujo, que no puedo evitar sonreír mientras la escucho. No hay cambios de ritmo brutales, pero la instrumentación es bastante rica, la cual se hace evidente, cuando la interprete no esta cantando. 

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Saludos a mi Mimi (Saint Tail) ^^, así a quienes gustan de este tipo de música.

martes, 22 de septiembre de 2015

Ballers: una serie de Futbol Americano de la HBO

Hace casi un mes que hice la reseña sobre la película de Kevin Costner, "Draft Day", la cual sigo insistiendo que es una pequeña joya del futbol americano, no solo por su historia, sino por su originalidad y concepto. Justamente hace casi un par de semanas, uno de los lectores me dejó un comentario en dicha entrada y recomendandome una serie que tenía el mismo "aire", llamada Ballers.

Como buen curioso, rapidamente le eche un vistazo y me sorprendió ver que fuese protagonizada por The Rock, el buen Dwayne Johnson. No me extraño en absoluto, ya que para quienes conocen la biografía de este famoso ex-luchador y ahora actor de cine, en un tiempo fue jugador de este bello deporte, pero una lesión lo termino alejando de las canchas. Ya había tenido el gusto de verlo ligado al futbol americano, gracias a una película donde interpreta a un agresivo pero innovador entrenador que trata de enseñarles americano a un grupo de jovenes reclusos.

Por un momento pensé que las cosas irían por tal rumbo, pero caí en cuenta que no era así. Y por ello, "Ballers" me la chute en menos de 10 días. Claro, la susodicha tiene su reseña a continuación.


Datos técnicos: "Ballers" es una serie de TV que se transmitió en el canal de paga, HBO, desde junio hasta agosto del 2015, teniendo un total de 10 episodios de entre 25 a 30 minutos. De entre los productores ejecutivos de la misma, destaca a su protagonista, Dwayne Johnson y a Mark Wahlberg.

Argumento: Spencer Strasmore es un jugador de futbol americano retirado, que perteneció a los Delfines de Miami, con los cuales forjó una leyenda dorada. Ahora ejerce como asesor financiero de estrellas de futbol americano actuales en compañía de su amigo Joe Krutel. Sin embargo, Strasmore va arrastrando ciertas heridas emocionales y físicas de sus encuentros, mientras a la vez, se van retratando las personalidades, peculiaridades y mañas, no solo de sus protegidos, sino también de otros amigos que viven el retiro a su propia manera.

Opinión personal: "Ballers" es una serie de futbol americano, pero tal como "Draft Day", no se enfoca en el deporte, sino en los aspectos técnicos del mismo. Y no solo eso, sino también porque toca cuestiones que los jugadores manejan a diario: el dinero, las mujeres y el poder (así como manejarlo en un conjunto, sin volverte loco o ya metido en el infierno por eso). Por eso me encanto bastante. Ya me ha tocado ver series donde tratan de equipos que se van superando, ganando potencia, velocidad, habilidades, etc., etc. para finalmente llegar a ser campeones. Claro, todo esto utilizando el aspecto romántico del juego: compañeros entrañables, rivales formidables, entrenamientos estupendos y claro, romance de temporada.


Sin embargo, de tiempo para acá, varias series, tanto en el manga, anime, cómic, etc. etc., se han tratado de enfocar en los backgrounds, en el aspecto no visto de algo. Ya hace un par de meses comente de la éxitosa, "Shirobako", que narraba los deslices de una compañía de animación por sacar un proyecto adelante. A mi me fascino, por la originalidad del concepto y la forma de tratarlo, pero cuando leí críticas y comentarios de dicha serie en otros lados, les pareció aburrida y hasta fastidiosa. No lo puedo negar, ya que la mayoría prefieren algo ligero o el mismo tópico de siempre.

Por ello, ver una serie como "Ballers", me supo un soplo de aire fresco, tanto por dinamismo como originalidad: Strasmore aun vive enamorado de sus glorias y trata de aplicar los mismos conceptos en los negocios. Sin embargo, rápidamente se topa con jugadores que tienen un montón de broncas de todo tipo (la típica superestrella ambivalente que le reza a Dios pero a la vez tiene relaciones con muchas mujeres pese a tener novia, o el jugador líder en trackleadas de la liga pero que está quebrado por mantener a sus amigotes de parrada y familia). Aparte, tiene que lidiar con sus propios demonios que le han dejado mermado, en especial en el aspecto emocional (y financiero. Verlo observar su cuenta en casi ceros, fue horrososo - todo un deja vu personal -). Por supuesto, a la par, conocemos a un jugador retirado que ansía con volver al campo.

Como ven, la riqueza de estos personajes, hace que las tramas de cada episodio sean mixtas, pasando de momentos cómicos hasta bastante trágicos, pero claro, sin perder ese sentido del humor negro que tiene la serie.

Por supuesto, no podemos objetar que es una serie "HBO" y por consiguiente, el sexo, los desnudos, el lenguaje altisonante y otras lindezas que le encantan a esta productora, rodean la serie por todos lados. En algunos momentos esto sí pega, pero en otros, terminas por sacarte de onda (como han comentado con "Game of Thrones"). Si lo vemos en seco, es como una versión adulta y mucho más fuerte de "Draft Day", pero no solo enfocado en un solo día y momento, sino en toda las vacaciones de verano que tienen los jugadores, previo al inicio de temporada.

Las tramas son divertidas, pero los personajes lo son aun más. Strasmore, aunque sigue siendo un clon de muchas apariciones de The Rock, sigue manteniendo ese carisma. Ricky Jarret es comiquísimo, porque lo ves rezando, pero a la par metiendo la pata con cualquier mujer que se le pone enfrente. Sin embargo, Charles Greaner es el que más divirtió en toda la saga. Empieza como un afable ex jugador que trata de darle gusto a su esposa, pero termina por deprimirse por conseguir trabajo en una agencia de coches y luego se ve arrastrado a tener sexo con otra mujer y hasta probar drogas, ya que estando retirado no se siente a gusto y quiere volver al emparrillado.
Otro que va levantando y se vuelve horrendamente carismático, es Joe Krutel, el amigo de Strasmore, que pasa de ser su compañero medio zafado a ser uno de sus amigos y quien le echa la mano como puede, pese a sus desvaríos y complejos. 

Aparte, la forma de llevar los episodios es bastante amena y te deja con ascuas con ver más. En particular, el episodio 9 fue mi favorito, cuando vemos a la persona que le dejo esas secuelas emocionales al protagonista y como este, logra redimirse con una acción que me pareció estupenda. Sin embargo, a la par, veo que esto también fue un gran error y es aquí donde vamos a los defectos de la serie. El más grave, es que la trama pierde fuelle en los dos últimos episodios. Es curioso, ya que son los que más me gustaron, pero también le restaron todo el tono adulto al serial.

Y es que al principio vemos a personajes complejos, oscuros, ni buenos ni malos. Con sus cualidades, pero también con unos enormes defectos, incluyendo al buen Greaner. Esto provocó que al segundo tercio de la serie, la cosa estuviese bien peliaguda, al grado que no veía por donde Strasmore podía salir de cierto embrollo, mucho menos Jarret. Sin embargo, la cosa de repente funcionó muy bien y en los últimos episodios, casi tuvieron un cuasi color rosado, es decir, todos felices y contentos. Esto refleja que me encantan los finales felices, pero también que la serie perdió parte de su mística y de repente vimos algo mucho más ligero y tranquilo. Tal vez era porque los productores temían que solo les dieran una temporada y mejor cerrarla en algo ameno (aunque esa tampoco no me la creo, porque desde julio, HBO había decidido renovarla por una segunda temporada). Un final feliz, pero que comparado con el resto de la temporada, lo deja a uno desconcertado y un tanto mareado.


En conclusión, "Ballers" es una buena serie de HBO, que toca los aspectos técnicos y oscuros del deporte de las taclkeadas. Es impresionante ver como hasta la misma Liga se llega a hacer la vista gorda (ni se diga propietarios o dueños) de los desmanes o problemas que llegan a causar sus jugadores, todo con el sentido de "protegerlos" por lo duro que trabajan. Sin embargo, el tono ligeramente humorístico hace que la serie no sea tan pesada y sea fácil de llevar. Claro, no es recomendable para todo público, debido a ciertas escenas explícitas, pero creo que un adolescente para arriba (que le guste dicho deporte y estas cuestiones) le encantaría. En lo particular, me lo pase como enano y fue una gran recomendación (Gracias a Yadira Cervantes al respecto).

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Saludos a mi Hinata-sama :3, así a quienes gustan del deporte del emparrillado.

viernes, 18 de septiembre de 2015

Nada, Nadie: las voces del temblor de 1985


Estamos a un par de días para que se conmemore el 30th aniversario del Temblor de la Ciudad de México de 1985. De manera directa o indirecta, muchos vivimos ese evento de forma trágica. Para un servidor, representó ser despertado por sus padres de manera intempestiva, mientras la casa se movía como una gelatina. De las pocas cosas que recuerdo son las expresiones de horror y angustia de mis padres mientras salíamos volando de allí y nos posicionabamos afuera.

Recuerdo que volteaba para todos lados y veía como todo se movía. Por un momento pensé que estaba mareado o que era un juego (lógico, para la edad que tenía entonces), pero ver a mi madre soltar gritos mientras señalaba los postes, los cables y los árboles, moviéndose como si una fuerza invisible los estuviera agitando, me hizo ver que no todo parecía tan inocente.

Finalmente el movimiento cesó y por suerte, donde entonces vivía, las cosas no se vieron tan horribles como en otros lugares. Claro, varios edificios se vinieron abajo e inclusive la cúpula de una iglesia se hizo pedazos. Mi esposa me cuenta (porque era aun más pequeña que yo en aquel entonces) que mi suegra le comentaba como vieron los postes de luz moverse y sacar chispas. Lo más horrendo es que el lugar donde vivía mi mujer casi no se sentían los temblores. A este nivel llego dicho seísmo, que hasta la fecha es catalogado como el más mortífero que ha sufrido la Ciudad de México y zonas aledañas.

La magnitud del temblor fue de 8.1 en la escala de Ritcher. Si lo comparamos con el que provocó el tsunami de la navidad del 2004 o el que azotó a Japón en el 2011, resulto ser mucho más inferior (recordemos que las escalas no se ven en un forzoso orden ordinal, sino exponencial. Léase, un temblor de ocho grados es 10 a 20 veces más potente que uno de siete grados y así). El detalle es que el movimiento fue de tipo trepitatorio, es decir, que el movimiento no solo fue de lado a lado, sino de arriba y abajo, lo cual sacudió a tal nivel las desgastadas y mal construidas edificaciones en la mayoría del Distrito Federal, que muchas se vinieron abajo.

El sismo dejó al descubierto las muchísimas deficiencias del entonces gobierno de la capital y también a nivel federal: malos tratos de policías, tardanza en el sistema de emergencia, un gobierno orgulloso e incapaz que retraso la ayuda, así una corrupción que literalmente frego el apoyo de otros países y de otros ciudadanos hacia las víctimas y familiares. Por supuesto, hoy en día también se hace hincapié en la solidaridad y la bondad de la gente. Miles de voluntarios civiles se lanzaron a las calles a ayudar en labores de rescate y posterior reconstrucción. Una población que parecía apatíca, a raíz de las represiones de los años sesentas y setentas, se vio de repente hermanada y logro sacar adelante una ciudad que se hizo trizas.

Por supuesto, lo malo también debe ser recordado, ya que en parte eso ayudo a modificar el sistema político del Distrito Federal y que se creara inclusive una cámara de representantes de las delegaciones, para que tuvieran mayor inherencia en el gobierno mediante su población. Así también terminó por tambalear la ineficiencia del gobierno del entonces presidente, Miguel de la Madrid.

Una de las fuentes que terminaron informando de dicha situación, fue Elena Poniatowska, a través de un libro que hoy continua editándose (y que por suerte un servidor compró hace ya unos años): "Nada, Nadie: las voces del temblor".


El libro de Elena Poniatowska “Nada, nadie, las voces del temblor” es una obra que nos narra en viva voz de los afectados las situaciones que vivieron durante y después del sismo de 1985 en la Ciudad de México.  Las historias reales se desarrollan dentro una combinación de rabia, horror, impotencia, desesperación, destrucción y  muerte;  pero  contrarrestada por la respuesta solidaria de todos los que sobrevivieron y que sin pensarlo ayudaron al rescate de  otros de manera incondicional.


Elena Poniatowska es una escritora mexicana de reconocimiento mundial, de origen polaco (aunque nació en Francia). Su padre era descendiente de un famoso comandante que sirvió a las ordenes de Napoleón, mientras su madre era una mexicana exiliada que viajó con el sequito de Porfirio Díaz en su salida de México.

Para la década de los cuarentas regresó a México a raíz de la Segunda Guerra Mundial. Aunque no termino el bachillerato de manera formal, comenzó como periodista y cronista en varios periódicos en los años cincuentas, haciéndose reconocida como alguien que defendía la verdad, así criticaba la política velada que ejercía el gobierno durante aquellos años. Uno de sus trabajos más reconocidos fue "La Noche de Tlatelolco", donde buscó criticar la acción del gobierno en estos hechos tan oscuros.


"Nada, Nadie...", el libro que voy a hablar a continuación pretende ser una especie de continuación de dicho proyecto, pero ahora enfocado en la tragedia del temblor de 1985. Debo decir a título personal que no me gusta mucho la prosa de Poniatowska, ya que tiende a ser mu dispersa y lógico, viene más de un ámbito periodístico, donde la redacción queda en segundo lugar respecto al contenido de la misma. Sin embargo, un día que pasaba por una librería, vi dicho título exhibido, pero sobre todo, la imagen de un edificio cayéndose fue lo que me llamó poderosamente la atención. Lógico, aparte del precio (sí, mi tacañez), me termine por comprar el libro.

El contenido del mismo no es uniforme, técnicamente lo que hace la autora es hacer una compilación bastante compacta, de muchos relatos, historias y crónicas de lo que sucedió ese trágico día, donde los narradores son las personas que padecieron el sismo. Desde la vecina que estaba con su esposo y sus hijos desayunando, hasta el reportero que estaba a punto de dar una nota y un piso se le vino encima (Pedro Ferriz de Con). Si termino comparando dicho libro, sería con el de "Underground" de Haruki Murakami. Sin embargo, debido al lenguaje coloquial, a la cantidad de muertos que hubo y la naturaleza del impacto, las historias me parecieron mucho más desgarradoras, trágicas y crudas. Sí recalco una que me dejo casi con un nudo en la garganta, fue la de una mujer que perdió a su esposo y apenas logró sobrevivir con su hijo.

Un punto a favor es que Poniatowska no se corta al decir la verdad, pero tampoco busca el morbo. Los relatos vienen de las mismas palabras de los accidentados y como sobrevivieron a esto. Otra cuestión es que también se tocan diferentes rubros, desde la ayuda que tuvieron los voluntarios (donde las señoras les traían tortas, agua, etc., etc.) hasta como lograban rescatar personas atrapadas en los restos de los edificios.

Aparte, leer este libro amplió muchísimo mi panorama con respecto a muchas zonas que fueron destruidas, entre ellas, las varias fábricas clandestinas de tejedoras, donde estas murieron o las dejaron dentro los patrones, con tal de no lidiar con las autoridades. Esto contrasta con las anecdótas que tocan lo sucedido con Televisa y sus teatros, donde no solo murieron empleados, sino gente famosa que estaba ya preparándose o llegando para trabajar.

Sin embargo, como es normal, Poniatowska toca un tema bastante delicado: la labor del gobierno y el ejército en el siniestro. Para empezar, crítica (no directamente, sino mediante las propias historias de los afectados) la lentitud que tuvo el gobierno para ayudar a los heridos, también el haber rechazado ayuda internacional, debido a la displicencia del presidente y su gabinete, ni se diga del jefe de gobierno del Distrito Federal. Para colmo, la poca ayuda que aceptaron, mucha termino desapareciendo en manos de los burocratas, que argumentaban problemas de traslado.

Otro punto que se critico fue el apoyo del Ejército. Muchos cronistas veían que los soldados terminaron haciendo actos de rapiña en los edificios, mientras otros entorpecían la labor de los voluntarios, llegando a correrlos de los sitios siniestrados y otros, obligandolos a detenerse, supuestamente porque el edificio estaba inestable y que supuestamente ellos entrarían al quite, lo cual no hacían en absoluto.

También la autora quita un poco esa imagen tan "limpia" de los ciudadanos ayudándose a otros. Hay relatos donde comentan los autores que al pedir ayuda en casas intactas, los dueños los terminaban corriendo o inclusive, mucha de la población prefirió encerrarse en casa e ignorar las peticiones de ayuda, asilo o comida. El temblor, según la autora, llegó a sacar lo mejor, pero también lo peor de la sociedad de aquellos años.

Aunque el libro se oye sensacional, su prosa le resta mucho ritmo. Para colmo, Poniatowska llega a exacerbar tanto la crítica política y social en el último tercio de la obra, que llega a ser sumamente chocante. De repente, ese ámbito de conocimiento y verdad del libro se pierde y estamos en una especie de ensayo bastante mordaz y para colmo, muy repetitivo por momentos, lo cual hizo que casi dejara de leerlo, pese a tener un inicio bastante acertado.


En conclusión, "Nada, Nadie..." es un buen libro sobre el temblor de 1985. Sin embargo, no es una lectura de crónica de eventos, sino más bien una crítica un tanto directa y mordaz de los eventos sociales, políticos y económicos que acapararon dicho evento. Esto podría provocar un chasco, al menos a mí me lo dio, pero para quienes gustan de algo políticamente incorrecto y dudo, seguro les gustará. Aparte de esto, las crónicas e historias que conforman esta obra, son estupendas. El relato de la sociedad es sencillamente brutal y muy honesto. Por eso vale la pena la compra del mismo.

Por cierto, se puede adquirir por la editorial "Biblioteca Era" por un módico precio de casi 10 dolares.

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Saludos a la dueña de mis mensualidades, así a quienes gustan de este tipo de lecturas.

miércoles, 16 de septiembre de 2015

Tres episodios de tres Doctores: La Úndecima Hora, Reunión Escolar y Time Heist

Pasa el tiempo y lentamente me voy haciendo un total fanático de "Doctor Who". Sí, a este paso me convertiré en un joven "Whovian" y es que no puedo negar la calidad de una serie que ha ido aumentando con el tiempo. La mezcla de fantasía, Sci-fi, personajes carismáticos, etc. etc. es potente en todos niveles. Sin embargo, es curioso que cada episodio de Dr. Who sea tan distinto a otro, pese a tener una misma línea argumental ("El Doctor debe salvar al humano de turno de una raza alienígena y de paso soltar un chorro de carisma cuando lo hace").

Sin embargo, ¿Por qué me costó tanto verla si las recomendaciones sobre la serie eran geniales? Bueno, tal vez porque empece de forma equivocada y fue por el primer episodio de la serie moderna. Christopher Eccleston fue un gran Doctor, no lo niego, pero jamás logre conectar con su personalidad y sus historias. Por ejemplo, el episodio doble de "El niño vacío y el Doctor Baila" he tratado de verlo en 5 ocasiones, pero me ha sido difícil (aun con el supuesto carisma de Jack Harkness) continuarlo sin soltar un bostezo o fastidiarme.

Pero la cosa cambió con los siguientes 3 Doctores. No puedo negar el carisma abrumador de David Tennant, el desparpajo de Matt Smith o la presencia de Peter Capaldi. Por ello no tarde en enfocarme en las temporadas de estos, aunque no de manera ordenada. Mi hiperactividad me impide ponerme al tiro con una serie que ya tiene sus temporadas completas. Así que me he puesto a saltar de episodio en episodio de cada Doctor en específico. Lo mejor es que cada uno de estos se puede ver en un su propio tiempo y por consiguiente, no me afecta la continuidad del otro. Claro, he procurado evitar los finales de temporada, ya que estos si tienden a ser más líneales en esta cuestión, pero el resto, uff, han resultado ser estupendos.

Por ello, a diferencia de otras entradas, aquí reseñare tres capítulos de Doctor Who, pero uno de cada reencarnación, para no solo hacer comentarios, sino ver las diferencias que ha habido entre ellos.


-School Reunion

Datos técnicos: "Reunión escolar" es el tercer episodio de la segunda temporada moderna de Doctor Who. Fue emitido el 29 de abril del 2006 y significo el regreso de dos personajes clásicos de la serie: Sarah Jane Smith, la compañera del tercer y cuarto Doctor y del simpático K-9, el perro robot del protagonista. Tuvo tal respuesta entre el público que fue nominado al Premio Hugo por mejor drama corto (el cual termino ganando "La chica en la chimenea").

Argumento: Mickey Smith, el novio de Rose, advierte a esta y al Doctor de avistamientos OVNIS en una escuela. En el trance, el Doctor se hace pasar por un profesor mientras investiga el lugar. En el inter, vuelve a encontrarse con Sarah Jane, ahora investigadora y reportera, que le echa la mano mientras tiene un ligero enfrentamiento con Rose Tyler sobre el ser una "companion" del protagonista.

A título personal: Antonio Monfort (De la Orbita de Endor) había recomendado este episodio debido a la "ligereza" y "nostalgia" del mismo. Debo decir que fue una estupenda elección, ya que pese a que no soy un "whovian" antiguo (aun no he tenido el gusto de ver la serie clásica), el reencuentro entre Sarah Jane y el Doctor fue bastante emotivo, como dos amigos que no se han visto en tanto tiempo y vuelven a verse. Aunque la trama "axis" del episodio es bastante típica, el hecho de incluir a Sarah Jane y verla darse de topes con Rose (lo cual me pareció hilarante en todos sentidos), fue algo muy ameno. El episodio despierta risas inesperadas y aunque pueda tener cierto tinte serio, en especial cuando los alienígenas de turno son bastante agresivos (inclusive el final donde K-9 les hace frente), el tono desenfadado del mismo me ayudo mucho a superar una pequeña racha que tenía con el Doctor.

Doctor Who es una gran serie, pero la carga dramática de repente llega a ser muy potente y los anteriores capítulos que vi ("Solo Humano/Familia de Sangre") eran demasiado serios y me dejaron un tanto ziscado. Sí, me gusta el drama, sin embargo la comedia es algo que disfruto mucho más. Por ello, ver un episodio como este, tan cómico y a la vez tan nostalgico, me hizo retomar la serie hasta la fecha. Aparte, el carisma de Sarah Jane ayudo muchísimo al capítulo (y con razón, el personaje tuvo su propio spin-off que duro casi cuatro temporadas y que solo cesó con el lamentablemente fallecimiento de la actriz que la interpretaba).

En concusión, "School Reunion" es un episodio divertido, ameno y muy ligero de la serie. Si uno busca algo más potente, tal vez le parezca medio aburrido o soso, pero a mi me pareció una buena forma de disminuir el drama y darle algo de desenfado (aparte de hacer lucir a sus secundarios, en especial a Rose y Sarah Jane, por supuesto también hablo de K-9).


-La úndecima hora (En el último momento).

Datos técnicos: este es el primer episodio de la quinta temporada de Doctor Who. Emitido el 3 de abril del 2010, significo la entrada del undécimo doctor, interpretado por Matt Smith. También supo el cambio en la dirección y producción, ya que Russell T. Davis abandono la serie y ahora Steve Moffat fue el encargado de la misma. Otra aparición fue la de Karen Gillian, haciendo a la nueva companion del Doctor, Amy Ponds.

Argumento: luego de la crucial batalla contra el Amo en la anterior temporada, las heridas del encuentro obligan al Doctor a regenerarse. Sin embargo, está es tan potente que daña a la Tardis, que también sufre una "regeneración" forzada. Por lo tanto, el nuevo Doctor cae frente a una casa, extrañado y tratando de acostumbrarse a su nuevo cuerpo. En el trance, conoce a una simpática llamada Amanda que le ayuda. Tras prometerle volver en unos minutos, el Doctor vuelve pero se da cuenta que han pasado 10 años y que la chiquilla se ha convertido en una guapa joven. Con la ayuda de Amy, trata de salvar al mundo del ataque de una raza alienígena, aunque sin su destornillador sónico y la Tardis.

Opinión personal: este capítulo vino a representar mi entrada con el 11th Doctor, el caracterizado por Matt Smith. Aunque ya había visto parte de su charming en "El día del Doctor", en tal especial estaba bastante diluido debido a la presencia de John Hurt y David Tennant. Acá ya pude disfrutar más de Smith y debo decir que su estilo para interpretar al Doctor era mucho más histriónico que el de Tennant. Mientras este último era carismático y tenía un grado de empatía bastante elevado, Smith llego a ser como el típico nerd indiferente y en este capítulo lo mostró de manera patente.

Claro, esto hubiese sido chocante, sino fuese por el contrapunto que Amy Ponds hace con su personaje, que es mucho más sensato y flexible, lo cua permite que las payasadas e incongruencias del Doctor de Smith brillen bastante. Otro punto a favor del episodio fue la forma en que el Doctor llega a contrarrestar la amenaza extraterrestre, sin usar la Tardis o el famoso destornillador sónico (el cual este episodio también sirvió para hacer el recambio de dicho aparato y el cual se mantiene hasta la fecha).

Sin embargo, lo mejorcito del episodio es la historia de Amy Ponds. Aunque Rose tiene carisma, Donna es fuerte, Martha es apasionada o inclusive Clara es muy flexible, la cuestión con Amy es de otro rubro, siendo una joven desequilibrada en cierta manera, debido a su contacto con el Doctor, pero también sumamente necesitada de cariño pero a la vez de darlo. Un personaje complejo que en lo particular me encantó y aunque muchos fans no les agrada, a mi me encanto en este punto (lo cual ayudo crearle un contexto bastante potente).

En conclusión, "La última oportunidad" es un episodio bastante entretenido y que ayuda a presentar al nuevo Doctor. Claro, aun no puedo dar una opinión (al momento) bastante concisa de este, pero al menos me convenció y no me dejo con ese mal sabor de boca que era el Doctor de Eccleston (pobre, le tiro demasiada carrilla), aparte de que su presencia es bastante impactante (en especial por su peinado medio extraño). Tal vez no tenga la calidad en historia como otros episodios de la serie, pero el carisma de los personajes lo compensa y por mucho (aparte del genero fanservice, ya que Amy Ponds se disfraza de una sexy policia londinense, jeje).


-Time Heist

Datos técnicos: considerado el quinto episodio de la octava temporada de Doctor Who, se estreno el 20 de septiembre del 2014, teniendo ya a Peter Capaldi como la duodécima reencarnación del legendario protagonista, así a Clara (Jena Coleman) como la companion. Luego del formidable episodio anterior ("Listen"), este también fue recibido con buenas críticas, aunque también fue criticado por ser demasiado denso por momentos.

Argumento: El doctor está tratando de convencer a Clara de tener otra aventura, en lugar de salir con su novio Danny. Sin embargo, una llamada a la cabina de policia (la Tardis), despierta la curiosidad de ambos. Minutos después, con la memoria borrada, el Doctor, Clara y dos humanos modificados, tratan de descubrir el misterio trás unos planos y un mensaje de un extraño que les pide robar uno de los bancos más seguros de toda la galaxia.

Opinión personal: Siendo sinceros, este no fue el primer episodio que vi de Peter Capaldi como el Doctor, sino fue "Listen". Sin embargo, el impacto que me genero tal episodio (en especial los últimos 10 minutos) me hizo ver que debía tratarlo por separado. Aparte, de que la aparición de Capaldi en dicho capítulo fue bastante diluida. En cambio, en este ya pude observar más del Doctor 12th. y sus peculiaridades.

Lo primero, es que este es un abuelito enojón y gruñón. Ya me había acostumbrado a la juventud pero solemnidad de los anteriores doctores. En cambio, Peter Capaldi nos presentó un gruñetas en toda la extensión de la palabra, mucho más egocéntrico y demandante. Sin embargo, a mi me pareció excelente, ya que rompía la dinámica con los anteriores Doctores y volvía con los orígenes. Por ello, verlo en este episodio, fue bastante divertido pero a la vez le daba un aire de sabihondo bastante molesto. 
Otro punto a favor es la historia y aunque puede ser choteada (el robo a un banco extremadamente seguro), la trama y el darle un toque de adultez (hay muertes como momentos dramáticos, en especial cuando el Doctor expone parte de su pasado), me hizo brincar en el asiento por momentos. Claro, la forma de desenvolver todo eso, fue de lo que más me gusto y termine bastante satisfecho.

Sin embargo, sí algo debo darle razón a los críticos es que el episodio es demasiado abultado. Deja muchos tramos sueltos y subtramas que eran harto interesantes (en especial los dos humanos modificados que aparecen ayudando a Clara y al Doctor). Igualmente, la historia del villano no es contada del todo y sí hubieran dedicado unos minutos a darle más contexto, tal vez habría tenido más impacto. Aunque no niego, el final feliz me compensa, al menos a mí, esta situación.

En conclusión, "Time Heist" podría pasar por un episodio ameno y divertido del Doctor, pero con un extra más de seriedad y drama. Aparte de que mantiene el misterio del contratante en todo sentido, al grado que el Doctor no sabe al final quien es, pero gracias a la trama, nosotros sí nos enteramos con cierta ironía del caso. Bastante recomendable para quienes quieran iniciar con Doctor Who sin tener un antecedente previo.

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Saludos a mi "companion" que adoro ^^, así a quienes gustan de Doctor Who.

lunes, 14 de septiembre de 2015

Super Mario Bros 3: uno de los mejores clásicos del NES y de la historia.

Hoy se cumplen 30 años de que el fontanero bigotón llamado Mario, hizo su aparición de manera oficial en la consola de 8 bits de Nintendo, con su primer juego de una larguísima saga que continua hoy en día. Claro, ya el diseño de Mario había sido empleado para crear a Jump man, el "rival" de Donkey Kong en el juego homónimo. Sin embargo, con "Super Mario Bros", fue la entrada directa del héroe de Brooklyn en los videojuegos.

Ya en una entrada anterior hable de la relevancia de Super Mario Bros y como su marca dejo una huella muy duradera, no solo en los fans de aquellos años (como un servidor), sino en generaciones posteriores de una u otra manera. Por supuesto, Mario se convirtió en la mascota de Nintendo cuando vendió millones de unidades (y no solo de su videojuego, sino también de la NES, con el cual venía incluido), sino genero a la larga las secuelas para explotar su carisma.

Super Mario Bros 2 apareció poco tiempo después en dos versiones distintas: una para Japón (los famosos "Lost Levels") y la Dooki Panic (Mario Bros 2 para "Amerika"). Esta ocasiono divisiones entre los fans, criticando por un lado la dificultad y la falta de imaginación de uno, así como el improvisionamiento de la otra. Por ello, el creador de Mario, Don Shigeru Miyamoto, tenía que redimirse con uno de los mejores juegos que aparecieron para el NES: Super Mario Bros 3.

Por supuesto, la reseña del blog no tratara de ser muy amplia, ya que hay páginas y videos mucho mejores en la red, más explícitos y con mejor diseño. Sin embargo, no puedo dejar de hablar de este cartucho, que en su momento fue uno de mis favoritos y que marco mi gusto por los videojuegos hasta la fecha.


Super Mario Bros. 3 (スーパーマリオブラザーズ3 Sūpā Mario Burazāzu Surī?, también conocido como Mario 3, Super Mario 3 y SMB3) es el último videojuego de plataformas de la franquicia Mario para la consola Nintendo Entertainment System. Salió a la venta el 23 de octubre de 1988 en Japón y el 12 de febrero de 1990 en Estados Unidos. Al igual que en títulos anteriores, SMB3 fue diseñado por Shigeru Miyamoto, mientras que la banda sonora fue compuesta por Kōji Kondō. El juego retoma la historia del primer título, en la cual los fontaneros Mario y Luigi deberán salvar a la Princesa Peach de las garras del Rey Koopa.



Detalles técnicos: la producción del juego comenzó dos años antes de su salida, léase, en 1986. Muchos veían a Super Mario Bros 2 como un juego de transición y que la carta fuerte de Nintendo sería este la tercera parte. El hecho de que los programadores y el equipo de producción (el famoso equipo 4 del departamento de investigación y desarrollo de Nintendo, comandado por Miyamoto y Takashi Tezuka) se tomase el doble de tiempo que otras compañías para crear un cartucho, era fiel reflejo de la política que Nintendo instauro en aquellos años ("pocos juegos, mayor calidad"). Esto por supuesto se reflejo en la potencia de Super Mario Bros 3 y su excesivo detallismo. Miyamoto comentó que muchas ideas de los enemigos y poderes de la serie vinieron de las ideas de dicho equipo.

Por ejemplo, el famoso Chain Chomp provino de una mala experiencia que tuvo Miyamoto con un perro en la infancia. Igual el fantasma Boo que se vuelve amenazador cuando le das la espalda, esta inspirado en la esposa de Tezuka, ya que su esposa tendía a tener dos facetas muy distintas de acuerdo al nivel de trabajo que tenía dicho programador. Igualmente, 7 programadores del equipo sirvieron de inspiración para los hijos de Koopa. En un principio iban a usar sus nombres originales, pero luego se cambiaron por los de 7 compositores de música (como Ludwig o Roy).

Otra innovación para el juego fue disminuir un tanto la dificultad y permitir a los jugadores "noveles" ir agarrando experiencia con el mismo. Por ello, la dificultad en los primeros niveles era estándar, para ir superándose hasta llegar a cosas más peliagudas en los últimos. Aparte, la cantidad de poderes que Mario le fueron incorporando le añadió más versatilidad al juego (traje de rana, de hermano martillo, de Tanooki, etc.). Eso y que el protagonista al recibir un daño, ya no volvía a ser pequeño, sino regresaba a su forma inmediata (que era Mario grande, como cuando consieguía un hongo rojo).

En el aspecto técnico, el juego llego a utilizar un chip llamado MMC3 que le permitía potenciar las habilidades del NES. En el desarrollo, esto permitía dividir la pantalla en dos scrolls distintos, lo cual hacía que se tuviese una barra de habilidades y otra donde el juego se desarrollaba. La escasez de este chip en 1987 hizo que muchos juegos como este, fuesen retrasados en su salida a EUA. En Japón, Super Mario Bros 3 salió el 23 de octubre de 1988 y se convirtió en un éxito de ventas rotundo. En América, el cartucho no llego hasta febrero de 1990, aunque una versión del mismo apareció en una película sobre videojuegos llamada The Wizard, en 1989.

Super Mario Bros 3 se convirtió en un hitazo y para 1993, habían sido vendidas entre 4 a 7 millones de unidades, logrando un total de 18 millones para mediados de la década pasada. Inclusive, cuando salió una consola virtual para poder jugar dicho juego, este generó al menos un millón de solicitudes del mismo. Se convirtió en un clásico instantáneo y cosechando un montón de buenas críticas entre los especialistas, debido a su jugabilidad, control, escenarios largos, etc. etc. aun pese a la dificultad bastante patente del juego.


Modo de juego e historia: Mario y Luigi comienzan a recibir cartas de la Princesa Peach, diciéndoles que los diferentes reinos del inmenso territorio hongo están siendo amenazados por los 7 hijos de Bowser (Koopa). Los dos fontaneros se deben embarcar en una aventura para limpiar cada reino, rescatar al monarca de turno y derrotar a los esbirros de su eterno enemigo.

Tal como dice la reseña, Mario (y Luigi) deben ir a través de los 7 reinos que conforman el "Imperio" Champiñon. Cada reino es muy diferente uno al otro (Pasto, Arena, Agua, Gigante, Cielo, Hielo y Tuberías), lo cual representa una dificultad muy peculiar de acuerdo a la zona (por ejemplo, en el reino gigante, te enfrentas a Koopas gigantescos, mientras en el de Hielo, por la zona tan resbaladiza, debes evitar caer de cierta manera o patinaras).

Aunque diferentes, cada reino tiene sus zonas bien establecidas. Por un lado están los "stages" normales y por otro, los castillos que son zonas mucho más duras y con peligros más potentes (como los Womps o los Boos). En el trayecto, uno se puede encontrar casas de Toad, donde te permitirá elegir de diferentes cofres para ganar un ítem, aparte de tener stages con forma de naipes, que al jugarlo de cierta manera, podrás sacar varias vidas. A esto, también hay "rivales" que se van moviendo por todo el lugar, como los Hammer Bros o plantas que te llevan a un escenario donde estas últimas son los enemigos a vencer.

El enfrentamiento final era bastante característico: los hijos de Koopa terminan hechizando al gobernante del reino y para revertir su situación, uno debe subir a una especie de nave voladora llena de peligros y luego de ello, llegar frente a cada hermano, que será de características muy diferentes. Hay algunos muy veloces que no dejan de atacarte, mientras otros son sumamente pesados y al caer, provocan que te quedes paralizado si estás sobre el suelo. 

En cuanto a los ítems, serán de gran ayuda a Mario, ya que podrás "almacenar" los que vayas ganando fuera de lo stages y tener una dotación que te permitirá cargarte antes de cada escenario. Ya no solo serán hongos y plantas de fuego, sino también la famosa "hoja" que te dará una cola de mapache con la cual podrás volar. Esta habilidad será la más emblemática de Mario hasta la fecha, ya que desde entonces, no ha faltado un ítem que le permita al fontanero bigotón poder remontarse hasta los aires. Claro, a esto agregamos los trajes de rana, Tanooki, hermano Martillo, así inclusive nubes que te permitan pasar de escenarios, como la famosa "flauta" con el cual podrás invocar un tornado que te llevara a una zona warp que te permitira "adelantar" mundos, tal como en el original Super Mario Bros.

Curiosidades: como es lógico, hubo ciertas adaptaciones menores en los dialogos que aparecen en el juego. Sin embargo, la más relevante fue el cambio sútil en el dialogo de la princesa, cuando es rescatada. Y es que mientras en la japonesa, solo es agradecimiento, en la amerikana, la susodicha se avienta una puntada al decirle a Mario que "su princesa está en otro castillo" y luego comenta que esta bromeando (vaya chiste, ya que en su momento me saco de onda jeje).

Hubo una reedición del juego para el juego de SNES "Super Mario All-Stars" e incluía mejoras ostensibles a los escenarios y fondos, aunque se mantenía el espíritu de juego del original. 

Por cierto, en el 2010, Shigeru Miyamoto comentó que la trama del juego "nunca sucedió". Que todo fue una especie de obra de teatro (lo cual explica el extraño intro donde aparecen unas cortinillas y luego vemos a los personajes "jugar" o improvisar antes de darle start).


A título personal: Super Mario Bros 3 se considera de mis juegos favoritos de toda la historia y por obra y gracia del Todopoderoso lo pude tener en mis manos, léase, fue uno de los escasos juegos que mis padres nos compraron, bueno, le compraron a mi hermano. Sí, mi brother era (es) el dueño original del cartucho (la ventaja de haber tenido tan buenas calificaciones). Sin embargo, eso no impidió que ambos nos chutaramos dicho cartucho por todo el invierno de 1990. Una de las mejores vacaciones de invierno fue la del aquel año, ya mi hermano y un servidor nos levantabamos jugando y pasabamos toda la mañana, hasta que nuestra progenitora nos gritará que nos fueramos a comer. Ahora que lo veo en retrospectiva, llegamos a desperdiciar mucho tiempo de nuestras vidas frente a la pantalla y sacandole canas verdes a nuestros padres, pero el estar turnandonos las vidas para ver quien pasaba tal y cual escena, hizo que esos días aun los recuerde con bastante nostalgia.

Antes de que saliera el curso nintensivo de la Club Nintendo, mi hermano y un servidor habíamos logrado llegar por nuestros propios méritos y de manera seguida hasta el mundo 6. Sin embargo, los últimos castillos llegaban a ser infernales y ya por un tiempo optamos por saltarnos dichos niveles y usar la famosa flauta del Warp para llegar hasta el nivel 8, la fortaleza de Bowser. Tanto nos enfrascamos en terminarlo de esta manera, que este escenario nos llegaba a resultar más sencillo que los reinos 6 y 7. Por supuesto, para 1992, en un largo verano de secundaria, nos volvimos a meter con el juego y esta vez, si terminamos los 7 reinos de un solo golpe.

Ahora, el cartucho se encuentra dentro de su caja original entre las pertenencias de mi hermano. No he vuelto a jugarlo, pero aun me trae buenos recuerdos. Aparte, que el mentado cartucho nunca necesito que le soplaramos o algo parecido. Siempre funciono perfectamente y sin problemas.

Por cierto, como bonus dejo el "video" promocional de Super Mario Bros 3.


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Saludos a mi princesa :3, así a quienes gustan de este tipo de videojuegos.

sábado, 12 de septiembre de 2015

Siete anime deportivos atípicos: Desde Capeta hasta Chihayafuru

Las series de anime deportivos son una marca ya distinta del mercado nipón. Mínimo, en cada temporada viene incluida con alguna serie que toque alguna disciplina deportiva en particular. Lo mejor (y lo peor) es que puede tratarse de cualquier tipo. No a fuerzas tiene que ser de los más populares, como el futbol o el beisbol, que se consideran ya deportes nacionales en aquel país, sino técnicamente de todo tipo de disciplina que involucre competencia, sea grupal o individual.

Tal vez sea por la naturaleza competitiva de los nipones, pero uno no puede dejar de admirar el tesón y sobre todo la capacidad de adaptarse a este tipo de naturaleza, aun cuando no sea algo relevante en su cultura, tanto deportiva como social. Hay deportes que tienen cero relevancia en el mundo, pero los japones llegan a "tocarlos" de formas increíbles, extrañas pero igualmente apasionantes.

Por ello, los anime deportivos son de mis preferidos. No solo sacan lo mejor y más emblemático de esto, sino también saben dotarlos de un montón de complementos bastante potentes (personajes carismáticos, tramas increíbles y sobre todo, enfrentamientos épicos), aun más que las vistas entre los shonen y shoujo, inclusive superando a los seinen por momentos. Claro, tal vez me vea extremista, pero en un mercado que se ha visto muy mermado por la falta de ideas y originalidad, los anime de este tipo son los que llegan a salvar una temporada o ser lo más longevos. Por ello, mínimo una serie de deportes debe tener de 26 episodios para arriba. Por supuesto, algunas veces el relleno interviene, ni se diga la monumental loquera de prolongar un momento por horas (como en Captain Tsubasa). Pero si algo vale la pena del anime japonés, al menos para un servidor, es cuando la serie deportiva del momento esta siendo emitida.

Por lo tanto, la siguiente entrada va dedicada a siete animes deportivos, algunos más conocidos que otros, pero que se enfocan en deportes no tan populares en Japón (a veces ni siquiera en el mundo), y que a la par son excelentes series y altamente recomendables.


-Eyeshield 21

Creado por los mangakas Riichiro Inagaki (historia) y Yusuke Murata (dibujo). Inicio su travesía en el 2002 y finalizo en el 2009, siendo editado por la Shueisha y recopilando 37 tomos. Narra las aventuras de Sena Kobayashi, un chico débil y enclenque, aunque muy veloz, que un día siendo acosado por sus compañeros de grado, es "rescatado" por Hiruma, el capitán de futbol americano de su escuela, el cual lo termina reclutando para que forme parte de los Devil Bats. Sena se convierte en el corredor estelar, el Running Back más veloz, llamado Eyeshield 21.

Fue tal la popularidad que generó esta serie en Japón, que la practica del futbol americano en dicho país se cuadriplicó en el tiempo que el manga (y posterior anime) estuvieron al aire. En parte, patrocinado por la NFL Japan, la organización que rige actualmente los estandares de dicho deporte en aquel país.

A nivel personal: ya había hablado de Eyeshield en una entrada anterior, pero no pude volver a tocar dicha serie. Como es lógico, toca los aspecto más importantes pero a la vez cliché de todo anime deportivo: protagonista talentoso, secundarios carismáticos, rivales poderosos y la frase de "entrenar es lo que te vuelve más fuerte". Lo que mejor tenía Eyeshield era esa capacidad para narrar un partido de futbol americano de manera simplificada pero a la vez entretenida. Justamente ese fue mi temor cuando comence a ver la serie, que lo hiciera tan mal que terminara viendose ridículo. Sin embargo, fue todo lo contrario y los partidos eran formidables. Claro, repito, abusaban del cliché pero el combinar derrotas con victorias y no hacer a los Devil Bats como un equipo naciente pero imbatible, fue algo que les funcionó y los hacía ver mucho más realistas. Por cierto, el tramo final del manga, el cual no fue adaptado, es pura dinamita. En su momento me tuvo al hilo del asiento mientras veía el partido entre Japón y los Estados Unidos a nivel junivel.


-Baby Steps.

Dibujada y escrita por Hikaru Katsuki, este manga (y posterior anime) lleva actualmente 39 tomos recopilatorios y aun se sigue editando en la Shonen Kodansha. La historia se centra en Eiichiro Maruo, un joven preparatoriano de 15 años que un día, es invitado al club de tenis de su localidad por una guapa chica de su escuela, Natsu, en agradecimiento por haberle prestado sus apuntes. Maruo es conocido por su aguda visión y puntillosa manera de organizarlo todo, por lo cual el tenis le representa un reto que comienza al principio a interesarle como un mero pasatiempo pero luego se vuelve una pasión en todos sentidos.

El manga ha sido tan bien recibido por la crítica, que recibió el premio al mejor manga shonen de la editorial Kodansha el año pasado. Un anime de dos temporadas ha ido adaptando la serie (la segunda se encuentra actualmente en emisión).

A nivel personal: aunque en su momento me gustó (y me sigue) Prince of Tennis, esta serie le hizo un gran daño al deporte del tenis. Sí, ha habido series de este tipo, pero la susodicha "shonenizo" el concepto hasta límites insospechados. De allí que muchos cuando hablan de tenis japonés, inmediatamente piensan en yaoi. Por ello, cuando comence a ver Baby Steps, resultó ser una bocanada de aire fresco. Dejamos atrás los tipos bonitos y nos enfocamos en lo técnico y rudo del deporte: Maruo va conociendo el tenis desde su aspecto más duro (lo cual le ayuda su personalidad y cerebro), y su visión nos da un amplio panorama de un deporte que no solo consiste en hacer tiros especiales y tener talento. En otras palabras, en todo momento aterriza el deporte y el autor basa a los personajes y competidores en escalas reales, lo cual agradecí muchísimo. Tal vez por momentos parezca lenta, pero también tiene sus momentos de romance (bien explícitos) y de comedia inintencional.


-Overdrive

Yasuda Tsuyoshi fue el encargado de dibujar este manga que apareció en la editorial Kodansha entre el 2005 y 2008. Recopilo 17 tomos en total. La historia se enfoca en Mikoto Shinozaki, que sigue el prototipo de Sena Kobayashi (debilucho, aburrido, poco interesante) y decide pasar el resto de su vida de preparatoria como un chico normal. Sin embargo, un día, una guapa chica llamada Yuki Fukazawa lo invita a unirse al club de ciclismo. Mikoto al principio es renuente a eso, más porque tuvo un trauma de pequeño que le impide andar en bici. Sin embargo, al conocer a los integrantes del club, es como comienza a salir de su ostracismo e interesarse en dicho deporte y claro, a futuro, llegar a convertirse en el primer nipón en conquistar el Tour de Francia.

Un anime adapto dicha serie en el 2007 y llego a formar 26 capítulos, aunque con bastante relleno, ya que el objetivo no era llegar al tramo del manga que el autor entonces estaba dibujando.

A título personal: antes de que apareciera Yosawaru Pedal en el panorama (y que ha dado un realce ahora al anime deportivo de ciclismo), Overdrive apareció en el mapa en el 2007. Lamentablemente, parece que esta serie, al menos el anime, trato de aprovechar el empujón de Prince of Tennis y es que se enfocó en crear personajes "bonitos" y con subtramas tipo yaoi (claro, los charas femeninos eran sumamente atractivos, pero se sentía algo más accesorio). Para colmo, algunas subtramas las prolongaron demasiado y por ello, la historia quedo muchísimo a deber, ya que los primeros episodios prometía bastante, pero se fue desinflando hasta el final. A diferencia de Yosawaru, el ambiente shonen no estuvo tan bien aprovechado y por eso, hoy en día, Overdrive está muy en segundo plano. Aun así, la animación es muy superior y como comenté, el diseño de los personajes es muy bueno, por lo cual no es tan mala como parece.


-Chihayafuru

Dibujado por Yuki Suetsugu, el manga inició su carrera en el 2007, siendo publicado por Kodansha, pero en su mangazine Be Love, léase, para jovencitas (a diferencia del Shonen clásico). Lleva 27 tankobou y aun continua en publicación hasta la fecha. El argumento se enfoca en Chihaya, una joven sumamente atractiva pero bastante torpe para todo lo demás, incluyendo deportes y escuela. Sin embargo, de niña desarrollo una afición por el Karuta, un juego de cartas de origen japonés, gracias a un amigo de la escuela. A raíz de esto, Chihaya decide dedicarse a dicho juego de manera profesional y por lo tanto, funda un club en la escuela. Con la ayuda de su amigo de la infancia, es cuando comienza su trayectoria para ser la mejor jugadora de todo el país.

Este manga, tal como Eyeshield 21, despego la popularidad de la Karuta en Japón a grados insospechados. Tan popular resultó que no solo gano el premio al mejor manga shoujo, sino también la mejor serie en general de toda la Kodansha. Por supuesto, esto le garantizo una buena adaptación animada en dos temporadas en años pasados.

A título personal: ya he hablado maravillas de esta serie. Es increíble como la autora logra combinar drama, romance, acción, batallas estupendas, comedia e historia en un juego que si lo vemos fríamente, no tiene el impacto de otras disciplinas. A tal grado emociona que inclusive un servidor estuvo a punto de enseñarse a jugar Karuta. La razón recae no solo en una historia bastante concisa y bien hecha, sino en unos enfrentamientos que aunque por momentos rozan la largura de Captain Tsubasa, siguen manteniendo el pulso en todo momento. Y por supuesto, en unos protagonistas, que aparte de carismáticos, son bonitos. Sí, Chihaya es sumamente atractiva, pero su personalidad es una volada, ya que es ingenua, medio torpe y muy apasionada. Eso la hace tener un punch bastante tangible. A esto agregamos a su equipo de Karuta, que tiene sus cosas buenas y malas, así los rivales que se van encontrado, la historia termina siendo harto divertida, pero claro, sin perder la seriedad.


-Haikyuu!

Obra de Haruichi Furutade, esta serie es un prototipo de las que exhibe la Shonen Jump de Shueisha e inicio su publicación en el 2012. Lleva actualmente 17 tomos y aunque al principio inició en una publicación que era mensual, la popularidad de la serie la volvió a la revista estándar, la Jump. El "plot" involucra a Shoyo Hinata, un talentoso jugador de voleibol que es muy bueno para saltar, pero debido a que siempre estuvo en equipos de bajo calibre en la secundaria, su ansia para ir a la preparatoria de Karasuno, que en un tiempo, estuvo rankeada como de las mejores de la preparatoria. Sin embargo, el choque con otro talentoso posicionador, Kageyama, desatara una rivalidad-amistad de harta trascendencia.

El manga tuvo bastante éxito hace un año y medio, al grado que se hizo una adaptación que duro 25 episodios. Se comenta que habrá una segunda temporada en otoño de este año.

A opinión personal: El voleibol no se considera un deporte popular en Japón, aunque es ampliamente practicado en las clases de educación física, de allí que los nipones tengan un nivel decente en competiciones internacionales. Por ello, ha habido mangas o animes que se han enfocado en este deporte con resultados regulares. Sin embargo, debido a la aparición del soccer, este había perdido fondo, hasta que aparecio este manga. Debo decir que no es nada espectacular, ya que tenemos los elementos de costumbre: personaje carismático, rival/amigo, secundarios potentes, partidos emocionantes y rivales de primer nivel. Sin embargo, la serie se encuentra tan nivelada en estos aspectos, que no resulta para nada sosa ni pesada, al contrario, es bastante divertida y tiene un buen ritmo. Aparte, toca un aspecto que se ha ido descuidando en las series deportivas actuales y es el "reclutamiento" de los jugadores. Esto me pareció un plus bastante bueno y le da un poco más de trasfondo a la serie, pese a su ligereza.


-Kuroko no Basuke

Creado por Tadatoshi Fujimaki, la obra original proviene de un doujinshi que hizo el susodicho y que generó tal impacto que no tardo en ser publicado por la editorial Shueisha y posteriormente en la Shukan Shonen Jump, una de las revistas semanales más populares del mercado. El manga se extendió entre el 2008 y 2014, teniendo 30 tomos recopilatorios. El argumento se enfoca en Kuroko, un joven con una presencia casi nula y con un talento del mismo calibre en el baloncesto. Sin embargo, en su momento fue considerado el sexto hombre de la Generación Milagrosa que ganó los 3 campeonatos de secundaria. Ahora en la preparatoria, Kuroko planea demostrar su valía ante sus ex compañeros en su nuevo equipo, con ayuda de Kagami Taiga, un talentoso jugador pelirrojo.

El manga tuvo tal éxito que se adapto por completo en 3 temporadas de anime de 75 episodios en total, la cual concluyo apenas en este año.

A nivel personal: Slam Dunk dejó una enorme huella en el manga deportivo, pero enorme. De allí que cuando se habla de esta obra, muchos la critiquen por su falta de seriedad, punch y por hacer los partidos de baloncesto mucho más fantasiosos, alejándose de ese toque realista y serio de su predecesora. Yo también tenía dicho prejuicio, pero la serie es buena, bastante buena. Y es que saca lo mejor del cliché deportivo shonen: protagonistas con talentos ocultos, secundarios potentes, rivales de gran nivel y sobre todo, partidos de altísimo nivel, que en su momento me hicieron saltar de la silla. Aparte, gracias a Dios, la animación era brillantísima y eso la salvo de caer en bodrios como otra series, y claro, con un mínimo de relleno, lo cual también se agradece. Tal vez su punto más flaco es que las fans tienden a "yaoizar" la serie a grados extremos, debido al diseño "bonito" de los personajes.


-Capeta

Creado por Masahiro Soda, la obra se extendió entre el 2003 al 2013 y recopilo 32 tankobou. Fue editado por la Kodansha en su propia revista "Shonen". Fue tan bien recibida que en el 2005, ganó el premio al mejor manga por esa categoría. El argumento se enfoca en Taiga Capeta, un chiquelo de 10 años que le agarra gusto a las carreras de karts. Es tal su pasión y talento que su padre llega a patrocinar su equipo como puede, mientras él va conociendo rivales y claro, teniendo amigos que le apoyaran para llegar a los circuitos básicos que le permitirán acceder en un futuro a un equipo de Formula 1.

Debido a la popularidad del manga, se hizo una adaptación al anime entre el 2005 y 2006, teniendo en total 52 episodios. Lamentablemente, apenas abarco un tercio del manga y se quedo en la etapa en que Taiga aun es un competidor juvenil y está por acceder a los premios de mayor rango en su categoría.

A opinión personal: Capeta es de esos descubrimientos felices que hice hace ya varios años, casi al nivel de Eyeshield 21. Sin embargo, el enfoque de esta serie es lo que me permitió hacerme fan de la misma, ya que narraba las aventuras del chiquillo Capeta hasta llegar al F-1 en categoría juvenil. La combinación con un aire shonen clásico, léase, con rivales poderosos, competiciones de alto nivel, la hacían formidable. Sin embargo, si algo tenía de más, es que Capeta no era todopoderoso. Muchas carreras las ganaba por los pelos y otras no podía hacer más, porque su coche era inferior en rendimiento a otros que tenían más dinero en sus manos. El realismo de la serie era bastante patente y gracias a ello, logre aprender mucho más de este hermoso deporte. Otro punto a favor era la presencia de un buen grado de comedia y claro, de un generoso fanservice, mostrándonos a la mejor amiga de Capeta pero también a una rival bastante habilidosa pero igualmente atractiva.

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Saludos a mi Monami/Natsu/Chihaya/Yuki de carne y hueso jeje ^^, así a quienes gustan de este tipo de animes deportivos. ¡Todos recomendables!